Si la juventud española cada vez es más conservadora, la consecuencia era inevitable: ya hay cantantes de rap de derechas

Si la juventud española cada vez es más conservadora, la consecuencia era inevitable: ya hay cantantes de rap de derechas

En muy pocos meses, dos estrellas del rap y trap en español (curiosamente, en un campo absolutamente dominado por los intérpretes masculinos) han irrumpido en la escena con mensajes abiertamente escorados hacia la derecha. Su extrema juventud y lo claro y frontal de su posicionamiento, convertido en el núcleo mismo de su propuesta, ha chocado con la imagen tradicional de estos géneros, asociados a lo marginal y la crítica al sistema. Angie Corine y BB Trickz suponen la punta de lanza de una nueva corriente en la música y la juventud española, y aunque la calidad musical de sus propuestas ha sido muy discutida, su indiscutible impacto popular las hace dignas de atención. 

Angie Corine, la sensación tradwife. Angie irrumpe en el panorama digital español en 2023 y sigue la lógica viral de TikTok: contenido breve y polémico, politizado desde el primer momento. No proviene del mundo del hip hop (no se ha curtido en batallas de gallos, no pasó por la escena underground), pero desde el primer momento llamó la atención por usar la estética como parte de su manifiesto: hiperfeminidad exagerada (uñas acrílicas, extensiones de pestañas, maquillaje con horas de trabajo), outfits muy estudiados (mezclando la estética trap con bolsos de marca) y unos aires abiertamente hipersexualizados, que es lo que ella critica en sus canciones.

En sus canciones aborda, con una calidad técnica muy sencilla (rimas simples, ritmos poco sofisticados), temas que le han ganado multitud de enemigos: crítica del feminismo de cuarta ola o feminismo radical, defensa del retorno a valores tradicionales (reivindicando la maternidad, el matrimonio, la familia -aunque personalmente ella no vive sujeta a esas tesis-), anticomunismo y defensa de la libertad desde códigos casi anarcocapitalistas, y con un nacionamismo amable con referencias a la bandera y al anti-independentismo.

BB Trickz, MAGA tropical. A BB Trickz hay que acercarse con aún más precaución: la provocación forma parte de su fórmula desde el primer momento, así como la mezcla desprejuicidad de elementos. Letras en spanglish asilvestrado (debido a su herencia multicultural), complementos provocativos como las gorras de 'Make America Great Again' y otra parafornalis trumpista (al que defiende más como un símbolo de persona "que dice las cosas claras" que por un conocimiento profundo de su política), estética mezcla de choni tradicional y trap de lujo, y sexualidad abierta, casi brutal.

Por todo ello (especialmente lo último: BB Trickz tiene letras tan explícitas que sonrojarían a un actor porno de los setenta), la posición política de la artista es clara, pero casi performativa: loas a Trump, antiprogresismo visceral y nada razonado, ultracapitalismo de brocha gorda... Llega un momento en el que sus declaraciones políticas (ausentes de sus canciones la mayor parte del tiempo) parecen formar parte de un postureo tan acusado como sus enfrentamientos con el resto de la escena. 

Precedentes internacionales. El rap político emergió en los ochenta como un subgénero que consevaba los ritmos variables, pero politizaba las letras. Tomó inspiración en EE.UU. de movimientos como el Black Power y el Black Panther Party, con grupos como Public Enemy, KRS-One, Boogie Down Productions o NWA rapeando sobre temas como el racismo, la brutalidad policial, la desigualdad económica y la corrupción. Desde mediados de la década de 2010 se ha observado un fenómeno opuesto: la aparición de raperos alineados con posturas de derecha política. En Estados Unidos, artistas como Tom MacDonald han protagonizado una ola de "right-wing rap" o "troll-rap", donde se exhiben mensajes contrarios a la izquierda política tradicional

Amigos de Vox. Por supuesto, tanto los partidos de derecha en rápido ascenso entre los jóvenes como los artistas sedientos de polémicas rápidas encuentran un punto en común donde trabajar. De este modo, Angie Corine ha manifestado públicamente su apoyo a Vox y a su líder Santiago Abascal, a quien describe como una esperanza para que gobierne un "modelo de orden, seguridad y libertad económica" en España. Esto la ha llevado a actuar en eventos organizados por agrupaciones cercanas a la derecha radical europea en España, como el acto Europa Viva 25 en Madrid.

Parte de una tendencia. Esto no sucede en el vacío. Diversos estudios y encuestas recientes revelan una tendencia creciente de la juventud española, especialmente entre los hombres jóvenes, a identificarse con posturas políticas conservadoras y de derechas. Según diversos estudios, la identificación con posturas liberal-conservadoras ha aumentado en las últimas dos décadas, con factores como el ingreso familiar, crisis económicas y el paso del tiempo como influyentes en la adopción de estas posiciones. Las encuestas reflejan también que una parte considerable de los jóvenes, especialmente hombres, están mostrando inclinaciones hacia posiciones autoritarias y un escepticismo creciente hacia la democracia liberal. Y el rap de última generación está ahí para sacar tajada.

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Si la juventud española cada vez es más conservadora, la consecuencia era inevitable: ya hay cantantes de rap de derechas

Si la juventud española cada vez es más conservadora, la consecuencia era inevitable: ya hay cantantes de rap de derechas

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Angie Corine, la sensación tradwife. Angie irrumpe en el panorama digital español en 2023 y sigue la lógica viral de TikTok: contenido breve y polémico, politizado desde el primer momento. No proviene del mundo del hip hop (no se ha curtido en batallas de gallos, no pasó por la escena underground), pero desde el primer momento llamó la atención por usar la estética como parte de su manifiesto: hiperfeminidad exagerada (uñas acrílicas, extensiones de pestañas, maquillaje con horas de trabajo), outfits muy estudiados (mezclando la estética trap con bolsos de marca) y unos aires abiertamente hipersexualizados, que es lo que ella critica en sus canciones.

En sus canciones aborda, con una calidad técnica muy sencilla (rimas simples, ritmos poco sofisticados), temas que le han ganado multitud de enemigos: crítica del feminismo de cuarta ola o feminismo radical, defensa del retorno a valores tradicionales (reivindicando la maternidad, el matrimonio, la familia -aunque personalmente ella no vive sujeta a esas tesis-), anticomunismo y defensa de la libertad desde códigos casi anarcocapitalistas, y con un nacionamismo amable con referencias a la bandera y al anti-independentismo.

BB Trickz, MAGA tropical. A BB Trickz hay que acercarse con aún más precaución: la provocación forma parte de su fórmula desde el primer momento, así como la mezcla desprejuicidad de elementos. Letras en spanglish asilvestrado (debido a su herencia multicultural), complementos provocativos como las gorras de 'Make America Great Again' y otra parafornalis trumpista (al que defiende más como un símbolo de persona "que dice las cosas claras" que por un conocimiento profundo de su política), estética mezcla de choni tradicional y trap de lujo, y sexualidad abierta, casi brutal.

Por todo ello (especialmente lo último: BB Trickz tiene letras tan explícitas que sonrojarían a un actor porno de los setenta), la posición política de la artista es clara, pero casi performativa: loas a Trump, antiprogresismo visceral y nada razonado, ultracapitalismo de brocha gorda... Llega un momento en el que sus declaraciones políticas (ausentes de sus canciones la mayor parte del tiempo) parecen formar parte de un postureo tan acusado como sus enfrentamientos con el resto de la escena. 

Precedentes internacionales. El rap político emergió en los ochenta como un subgénero que consevaba los ritmos variables, pero politizaba las letras. Tomó inspiración en EE.UU. de movimientos como el Black Power y el Black Panther Party, con grupos como Public Enemy, KRS-One, Boogie Down Productions o NWA rapeando sobre temas como el racismo, la brutalidad policial, la desigualdad económica y la corrupción. Desde mediados de la década de 2010 se ha observado un fenómeno opuesto: la aparición de raperos alineados con posturas de derecha política. En Estados Unidos, artistas como Tom MacDonald han protagonizado una ola de "right-wing rap" o "troll-rap", donde se exhiben mensajes contrarios a la izquierda política tradicional

Amigos de Vox. Por supuesto, tanto los partidos de derecha en rápido ascenso entre los jóvenes como los artistas sedientos de polémicas rápidas encuentran un punto en común donde trabajar. De este modo, Angie Corine ha manifestado públicamente su apoyo a Vox y a su líder Santiago Abascal, a quien describe como una esperanza para que gobierne un "modelo de orden, seguridad y libertad económica" en España. Esto la ha llevado a actuar en eventos organizados por agrupaciones cercanas a la derecha radical europea en España, como el acto Europa Viva 25 en Madrid.

Parte de una tendencia. Esto no sucede en el vacío. Diversos estudios y encuestas recientes revelan una tendencia creciente de la juventud española, especialmente entre los hombres jóvenes, a identificarse con posturas políticas conservadoras y de derechas. Según diversos estudios, la identificación con posturas liberal-conservadoras ha aumentado en las últimas dos décadas, con factores como el ingreso familiar, crisis económicas y el paso del tiempo como influyentes en la adopción de estas posiciones. Las encuestas reflejan también que una parte considerable de los jóvenes, especialmente hombres, están mostrando inclinaciones hacia posiciones autoritarias y un escepticismo creciente hacia la democracia liberal. Y el rap de última generación está ahí para sacar tajada.

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Game Pass ya es una inversión insostenible: más de 2.000 euros por cada generación de consola y sin nada en propiedad

Game Pass ya es una inversión insostenible: más de 2.000 euros por cada generación de consola y sin nada en propiedad

Game Pass sube el precio de su tier más caro, y no una pizca: todo un 50% que se aplicará a la tarifa Ultimate, una subida espectacular de 17,99 a 26,99 que se añade a la que ya vivimos en julio de 2024, donde de 14,9 se pasó a una aún discreta de 17,99 euros mensuales. Una decisión que pone sobre la mesa no solo una cuestión económica, sino que obliga al jugador a reflexionar sobre la naturaleza del servicio y qué obtiene a cambio de la tarifa.

Todo, nada. Es un sistema de acceso a juegos que hemos naturalizado por completo hasta el punto de convertirlo en un canon por el que se rigen el resto (Playstation Plus, por ejemplo, es "el Game Pass de Sony"). Pero es asombroso cómo nos hemos acostumbrado, con el paso del tiempo, a que sus indiscutibles pegas, muy a la vista, pasen desapercibidas. Eso podría cambiar con esta notoria subida de precios.

Lo primero es lo primero. En primavera de este mismo año ya quedaba muy claro que el principal negocio de Microsoft era hacer juegos para que recalaran en Game Pass. Desde hace un par de temporadas la compañía ya estaba completamente abierta a la idea de que no son necesarias consolas Xbox, sino que se puede jugar con los títulos de la plataforma en cualquier dispositivo con pantalla, gracias a la nube. Fue en esa época donde, además, vimos algo insólito: Microsoft se había convertido en la principal editora de Playstation, gracias al éxito de juegos como 'Call of Duty: Black Ops 6', 'Minecraft' e 'Indiana Jones y el Gran Círculo'. No hay duda: lo de menos en Microsoft son las consolas propias.

Podemos jugar cuando, dónde y como queramos. Es una idea que tiene un claro reverso tenebroso: no tenemos nada en propiedad, estamos solo alquilando un servicio. Y las cuentas cada vez se hacen más cuesta arriba: si cada generación de consolas dura siete años, y optamos por la opción Ultimate del servicio, nos habremos gastado más de 2.200 euros en jugar. Estrictamente en jugar, pero no en una consola y unos juegos que podemos, por ejemplo, revender para sufragar futuros gastos. Estamos pagando un dineral por nada tangible a cambio, un drama que ya conocemos bien del streaming, pero que de algún modo, se sentía distinto cuando teníamos una consola bien visible junto al televisor. 

Demasiado barato para ser verdad. Lo curioso es que la sensación generalizada, tal y como cuenta mi compañero Álex Alcolea, es que Game Pass era "demasiado barato": ofrecer juegos de primera fila como 'Silksong' o 'Clair Obscur: Expedition 33' (más todo lo que desarrollan los estudios de Microsoft) desde el día uno era una apuesta que sonaba muy bien para el jugador, pero que hacía que más de un analista se rascara la cabeza: ¿era sostenible económicamente en el tiempo? La compra de Activision por 68.700 millones de  dólares no hacía sino sumar dudas al tema: Game Pass olía demasiado a chollo.

Sacando bola. Microsoft lleva un tiempo intentando vencer a sus competidoras a golpe de músculo económico: la compra de Bethesda y Activision, los precios muy asequibles de Game Pass -rebosante durante años de un atractivo indiscutible, entre juego en streaming y lanzamientos importantes en día uno- y la supervivencia sin aparentes problemas a la caída en ventas de las Xbox Series. Pero todo eso parece que empieza a cambiar, y la subida de precio de Game Pass parece sonar a principio del cambio: ¿veremos subidas en las otras tarifas? ¿Claudicará definitivamente Microsoft a tener exclusivas de día uno en su servicio? ¿Habrá más consolas Xbox? De momento, todos tenemos que emprender una considerable reflexión en torno a cuánto y por qué estamos dispuestos a gastar. 

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En Xataka | La Xbox portátil al fin es una realidad. El único detalle sin importancia es que no es exactamente una Xbox

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24 horas dentro de la Comic-Con de Málaga: carnaval de cosplayers, badulaques de peluches y una ciudad abarrotada

24 horas dentro de la Comic-Con de Málaga: carnaval de cosplayers, badulaques de peluches y una ciudad abarrotada

"Había que venir", me dicen Pedro y María, que esperan pacientemente en el abarrotado autobús de camino a la Comic-Con, en el distante Palacio de Congresos de Málaga, a media hora del centro de la ciudad. Abarrotado de lobeznos, leias, narutos y miércoles addams, nos apretujamos entre los malagueños que cojen habitualmente ese autobús cada día a la misma hora, pero con mucho menos carnaval a bordo. El vehículo ya no admite más pasajeros y el conductor tiene que ponerse en pie para gritar a la fila de (muy obvios) asistentes a la Comic-Con, que se quedan en tierra porque no caben más, que por detrás viene otro autobús que va directo al Palacio de Congresos.

Las caras de decepción son inevitables, pero más vale que se vayan acostumbrando, porque la Comic-Con es un 5% aspiración, 5% espiración, y el 90% restante, hacer cola. Para acceder a los salones de actos, para entrar al propio Palacio de Congresos, para conseguir comida o beber agua y, dentro de la zona de expositores, para comprar en las tiendas. Y no todo el mundo está contento con la gestión de las colas, que como hemos explicado a menudo en referencia a los parques de atracciones, es todo un arte.

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En cualquier caso, el buen humor impera entre la mayoría de los asistentes, coronados por tocados extravagantes, prótesis de gomaespuma, pelucones imposibles o, por qué no, trajes muy económicos comprados de urgencia en AliExpress. Eso es, ante todo, la fiesta de la Comic-Con: un desfile de gente disfrazada, en tonos y estilos que van de lo más sofisticado a lo más casero, y que dan un ambiente colorista y único al evento.

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"Vengo de Galicia con mi pareja, fue él quien me introdujo en este mundo, aunque ya era algo que estaba dentro de mí, me gusta disfrazarme desde que soy pequeña", nos dice Patricia, perfectamente ataviada de Wonder Woman. "Era un evento muy importante, siempre en Estados Unidos y aquí por primera vez, y tenía que venir", nos cuenta, casi repitiendo las palabras de Pedro y María. También por libre ha venido Rubén, pero en una clave casi más extrema, enfundado en una sofisticada (pero completamente artesanal) caracterización de Vegeta, de 'Dragon Ball': "Siempre me ha interesado el cosplay, pero es mi primera vez". Y también ha acudido al margen de sociedades o tribus: "Cuando salieron las entradas las compré, y como no me quiso acompañar ningún amigo, vine solo"

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Es una mezcolanza de ingredientes muy particular, la que permite ver a Batman haciéndose una foto con la protagonista de 'Silksong', mientras el improbable encuentro es amenizado por el frenético concierto, a golpe del SID del Commodore 64, de Narcisound interpretando las orientales melodías de 'The Last Ninja'. Ese choque de generaciones e intereses es lo que da vida a un evento como este.

A comprar

Eso y el merchandising. Las mercaderías, que diría Yogurt de 'Spaceballs' (guiño para fans que ya rebasan la cuarentena): en la zona de tenderetes y badulaques encontramos peluches de gatos salidos de los memes más oscuros de internet, pegatinas de las 'K-Pop Demon Hunters', katanas auténticas pero saldadas a 45 euros y, cómo no, los inevitables Funkos. Fueron estos muñecos coleccionables los que protagonizaron una de las primeras polémicas de la edición: unos ejemplares de coleccionista que solo se vendían en el evento desaparecieron rápidamente, cuando unos pocos compradores arramblaron con todos los ejemplares disponibles después de horas de cola.

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Esta zona de stands es la más concurrida de la edición, y donde se mezclan como una exquisita tentación post-capitalista las aficiones más oscuras de los visitantes y el merchandising más improbable. Pero no todo eran compras contrarreloj: los visitantes también se agolpaban para subirse a la moto de 'Tron Ares' (secuela de la que se verá un avance en exclusiva en los próximos días), para hacerse una foto frente a un colosal Bowser de Lego o para rebuscar en los cajones de ofertas de videojuegos, en alguna que otra tienda de segunda mano. 

No eran los puestos más extravagantes: un banco promocionaba la manipulación con IA de fotos hechas en su mismo stand... que estaba situado al lado del Artist Alley, la zona de refugio y compadreo de los dibujantes, que comentaban con suspicacia la falta de previsión de la organización al ubicar el espacio del banco justo ahí, al lado del gremio que con más temor contempla el advenimiento de las IAs generativas. Es, también, parte de la naturaleza de la Comic-Con: un batiburrillo de esencias que, muy a menudo, se llevan a matar.

Porque, obviamente, no todo es de color rosa kawaii. Las quejas por las colas, como decíamos más arriba, han sido constantes entre quienes se han acercado al Palacio de Congresos: son el mínimo común denominador de cada rincón del evento, como han descubierto con disgusto algunos visitantes (un rápido paseo por las redes sociales de la Comic-Con permite tomar el pulso al descontento). 

xataka coic con

Así nos lo expresaba Azahara, a la que le quedan un par de horas por delante para acceder a la tienda de Funkos: "Suelo ir al Salón del Manga de Barcelona, y aunque no va tanta gente, también es un evento multudinario, y está mucho mejor organizado. Haces colas, pero son colas fluidas, ordenadas". Pedro y María también coincidían: "el tema de las colas es peor de lo normal, la verdad". Podría parecer que los 30.000 visitantes al día que calcula la organización pueden haber desbordado parcialmente el evento, que también ha recibido abundantes quejas por los precios y escasez de la comida, a una hora crítica en la que se generaban... más colas.

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En el autobús de vuelta, con el sol a media asta comunicándonos que ya está bien por hoy de aficiones y patrocinios, el cansancio marca los rostros desencajados (y desenmascarados) de Spider-Man y Deadpool, ambos con señales en el rostro de una batalla mucho más cruenta que las que vemos en las películas de Marvel. Han hecho más colas de las que el cuerpo humano está dispuesto a tolerar en un solo día.  

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Amazon ha descubierto con ‘El verano que me enamoré’ un potencial revolucionario: espectadoras sedientas de romances juveniles

Amazon ha descubierto con 'El verano que me enamoré' un potencial revolucionario: espectadoras sedientas de romances juveniles

Hoy, entre las inacabables peleas de tintes políticos, la avalancha de bulos y el contenido de catadura moral cuestionable, brillaba en las redes sociales una avalancha de posts de muy diverso tono: amable, emocionado, entregado de forma sincera. Devotos y, sobre todo, devotas de la serie romántica 'El verano que me enamoré', que acaba de dar carpetazo a su última temporada con un capítulo final que está siendo comentado con tanta atención al detalle como la serie más prestigiosa de HBO. Y todo aderezado con el anuncio de una película que concluirá la historia, pero eso es lo de menos: a estas alturas podemos hablar de fenómeno global. 

De qué va. "El verano que me enamoré" es una novela juvenil de Jenny Han de 2009, que inicia una trilogía que captura la experiencia del primer amor. La historia es la misma de su tardía adaptación (15 años han pasado desde la publicación del libro) para Prime Video, dirigida por la propia Han. Está narrada en primera persona: la protagonista es una joven que ha pasado sus veranos desde pequeña en la casa de playa de una amiga de su madre, que tiene dos hijos. Cuando la joven cumple 15 años se plantea un triángulo de intereses románticos, aunque la historia va más allá: la novela y la serie exploran los ritos del paso a la madurez, la inseguridad y miedos de esta etapa y el descubrimiento de la propia identidad. 

Por qué es tan popular. Ha sido un fenómeno transgeneracional, y la serie ha enganchado más allá de la generación Z a la que aparentemente podría estar dirigida la serie en su origen, ya que también la han visto millennials, un arco de mujeres que está entre los 18 y los 34 años. Es más, como se ha visto en redes sociales, han llegado a ella hasta espectadoras de 54 años

El triángulo amoroso que genera debates en redes sociales (divididas entre #TeamConrad y #TeamJeremiah), las locaciones idílicas de Carolina del Norte y lo cuidado de muchos aspectos formales (como la banda sonora con temas de Taylor Swift y otros artistas, que elaboran una especie de "personaje sonoro" que acompaña a los personajes) han hecho el resto. Resultado: audiencias explosivas como los rotundos 25 millones de espectadores en la primera semana de la temporada 3.

Y las quejas. Por supuesto, una serie tan popular y, sobre todo, tan seguida por el público femenino (porque estas dudas no se plantean tan a menudo con las series de acción o los thrillers puros más orientados a los hombres) ha sido observada con mucha cautela. En El País, Patricia Gosálvez calificaba la serie de ñoña y tóxica mientras que reconocía estar enganchada, porque una cosa no quita la otra. La figura de Conrad, que encarna el arquetipo de hombre emocionalmente complicado y dependiente, ha abierto un debate sobre la romanticización de relaciones problemáticas entre jóvenes.

Un fandom especial. Aparte de la polarización en dos equipos según a qué donjuán adolescente se apoye, 'El verano que me enamoré' ha trascendido con otros elementos el mero estatus de serie para convertirse en un fenómeno cultural global. Por ejemplo, el final de la tercera temporada, inicialmente concebido como el cierre definitivo, generó gran expectativa entre los fans, con un clamor en plataformas como X y TikTok (apenas hora y media después del estreno, el hashtag #TheSummerITurnedPretty acumulaba 46.000 publicaciones en X y algunos vídeos en TikTok alcanzaron 300.000 visualizaciones), lo que sin duda tuvo buena parte de la culpa del anuncio de la película. 

El fenómeno de los "éxitos ocultos". Las plataformas tienen dos tipos de éxitos: los que vienen teledirigidos desde Netflix, HBO o Prime Video, series que se sabe (o se espera) que sean un éxito y empiezan una campaña publicitaria meses antes del estreno para crear expèctación, como Miércoles, La casa del dragón o Stranger Things. Pero hay otros éxitos que crecen poco a poco, gracias a un fandom dedicado y fiel: pasa con los thrillers altamente emocionales basados en Harlan Coben, o poropuestas románticas como 'El verano que me enamoré'. Series que, meses después de su estreno, aún siguen haciendo conversar s sus espectadoras. Auténticos fenómenos de culto. 

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A nadie se le ocurriría dejar ‘Super Mario 64’ encendido durante 14 meses. Pero quien lo haga se encontrará una sorpresa

A nadie se le ocurriría dejar 'Super Mario 64' encendido durante 14 meses. Pero quien lo haga se encontrará una sorpresa

Es tradición que los juegos de Super Mario clásicos sigan brindándonos secretos que, pese al tiempo transcurrido están ahí aguardando para ser descubiertos. A veces easter eggs que son casi chistes privados, a veces errores de programación con efectos chanantes: uno de los últimos descubiertos requiere mucha paciencia para salir a flote. Concretamente, hay que esperar 14 meses.

Ha sido el youtuber Kaze Emanuar, experto en reventar (o mejorar) juegos clásicos de Nintendo quien ha hecho un vídeo en el que habla de fallos o efectos curiosos que surgen cuando dejamos el juego sin tocar durante espacios muy prolongados de tiempo, como los siete días que explica en el vídeo sobre estas líneas, o incluso más allá. Y hay una explicación técnica.

En 'Super Mario 64', varios elementos están programados para actuar en ciclos utilizando contadores internos que incrementan constantemente y determinan cuándo deben ejecutar una acción. Normalmente, estos contadores se reinician cada vez que el elemento termina su tarea, asegurando que los movimientos y patrones sean repetitivos. Pero hay algunos contadores secretos cuya cifra no se restablece tras completar su función; en cambio, continúan aumentando mientras el juego está activo. 

Cuando uno de estos contadores finalmente supera su valor máximo, lo que sólo sucede tras muchísimas horas (o incluso años) de juego ininterrumpido, provoca errores o bugs poco habituales. Por ejemplo, Emanuar documentó que, si se permanece en el menú de selección de estrellas durante aproximadamente 2,25 años sin apagar la consola, el contador en cuestión alcanza su límite de 2.147.483.648. Cuando sucede el desbordamiento, el jugador queda bloqueado en el menú y no puede realizar ninguna acción durante otros 2,25 años de tiempo real.

Situaciones similares con desbordes de contadores pueden desencadenar otros efectos inesperados, como la reproducción de sonidos normalmente inaccesibles dentro del juego. Son easter eggs técnicos que resultan imposibles de encontrar en una partida normal, pero fascinantes para la comunidad de speedrunners y programadores que examinan los límites más extraños del juego.

14 meses y contando

Un enemigo poco conocido de 'Super Mario 64', el tiburón llamado Sushi, habita en el nivel del Gran Muelle. Sushi emite un sonido característico que se repite cada 16 frames, pero el archivo de sonido es más largo que este intervalo. Por eso, en condiciones normales, el clip nunca se oye completo: cuando empieza a reproducirse, rápidamente se corta para comenzar otra vez, dejando oculta la parte final del audio.

Emanuar descubrió, aprovechando un bug del temporizador interno del nivel, que si el juego se deja encendido durante unos 14 meses (el tiempo necesario para que este “contador secreto” supere su límite máximo de 32 bits), el sistema deja de enviar órdenes a Sushi. Por primera y única vez, el tiburón reproduce todo el archivo sonoro de principio a fin, permitiendo escuchar el efecto de sonido completo por primera vez. Después de esta reproducción, Sushi queda en silencio, ya que la lógica que controlaba su bucle queda desactivada.

Este detalle es producto del funcionamiento de los contadores internos que gestionan la física y los eventos dentro del juego. El mismo fenómeno ocurre con otros objetos controlados con contadores, como las alas de los barcos voladores en el Camino del Arco Iris, que dejan de moverse por la misma razón tras miles de horas activas. Estos acontecimientos solo pueden producirse en circunstancias extremas y hay que trucar emuladores para simular el tiempo de juego excesivo, pero ahí están, como curiosidades para enfermizos de la minería de datos inútiles.

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Las mejores películas de Tim Burton: sus obras imprescindibles para disfrutar de una auténtica montaña rusa macabra

Las mejores películas de Tim Burton: sus obras imprescindibles para disfrutar de una auténtica montaña rusa macabra

Es, sin la menor duda, uno de los nombres propios más venerados del Hollywood actual. Su filmografía está llena de éxitos y fracasos comerciales, pero resulta innegable que su peculiarísima estética, así como lo muy reconocible de sus diseños visuales y sus temáticas le han convertido en un venerado autor con todas las letras. El éxito de taquilla reciente de 'Bitelchús Bitelchús', en el que por primera vez ha vuelto a una de sus criaturas más queridas, y el éxito de 'Miércoles' en Netflix nos invitan a revisar su filmografía. Estas son las mejores películas de la larga trayectoria de Tim Burton.

Índice de Contenidos (12)

La gran aventura de Pee Wee (1985)

Pee Wees Big Adventure Still 4

Autoría compartida para el debut como director de Tim Burton, aún hoy una de sus películas más irresistiblemente extrañas. Compartidas porque es una película de Burton, pero también de Paul Reubens, alias Pee Wee Herman, el inclasificable torbellino cómico que busca incansablemente su bicicleta robada en esta película donde el protagonista funciona como alter ego del Burton que veremos crecer en sucesivas películas: un niño grande en perpetuo estado de maravilla ante las extravagancias del mundo. Frenética e imprevisible, y que se disfruta especialmente en programa doble con el lisérgico programa de televisión que presentó Reubens en los ochenta.

Bitelchús (1988)

Cuando los presupuestos que Burton manejaba aún eran modestos, el director ya fue capaz de poner en pie un mundo absolutamente personal y rebosante de los temas que le darían la fama: humor siniestro, estética pop estridente, personajes marginados y ojerosos... Puede que 'Bitelchús' sea su mejor película, y por descontado que es una de las más indómitas: un reparto de primera encabezado por los entonces desconocidos Michael Keaton y Winona Ryder en una historia que juguetea con una visión desbocada y gamberra del Más Allá y de cómo relacionarnos con él con una curiosa inversión de papeles: los vivos dan más miedo que los muertos.

Batman (1989)

La película que dio el pistoletazo de salida al cine de superhéroes moderno y a la visión actual de un héroe con múltiples caras, como es Batman. Hoy tiene un punto camp e ingenuo que la hace entrañable, pero sigue aguantando bien el paso del tiempo gracias a la indiscutible calidad de sus diseños, su muy bien elegido reparto y su abundancia de momentos icónicos. Un auténtico hito fundacional.

Eduardo Manostijeras (1990)

Tras el éxito de 'Batman' y antes de rodar la secuela, Burton volvió con una película enteramente propia, esta mucho más comedida y romántica que 'Bitelchús' (aunque repetiría con él Winona Ryder, que durante un tiempo se convirtió en símbolo de su filmografía en la misma medida que los grafismos en espiral o los personajes marginados). Aquí la historia de un monstruo de gran corazón e incapaz de amar estaba sustentada en unos diseños extraordinarios, así como en rastros de veneno netamente burtonianos: de los homenajes al cine de monstruos de la Universal simbolizado en Vincent Price a la indisimulada crítica de la vida residencial norteamericana a través de otro icono camp: Tom Jones.

Batman vuelve (1992)

Otra película fundacional, en este caso del cine de superhéroes "de autor": Burton usó la voluble plantilla de Batman para introducir sus particulares obsesiones sobre los personajes al margen de la sociedad y los inadaptados, así coimo para plantear una Gotham especialmente tenebrosa y expresionista, y el resultado es una de las galerías de villanos más impresionantes del cine de superhéroes. El Pinguíno de Danny De Vito y la Catwoman de Michelle Pfeiffer son tan complejos y fascinantes que aún hoy se les considera las versiones definitivas de los personajes en el cine.

Ed Wood (1994)

Burton tomó como punto de partida una excusa deliciosa (la loca biografía del que fue considerado como "peor director de la historia del cine") para plantear, precisamente, una oda de amor al medio y al entusiasmo necesario para poner en pie una película, por horrenda que sea. Presentando a Wood y su cohorte de freaks (un Bela Lugosi en las últimas, Tor Johnson, el vidente Criswell, Vampira) como auténticos virus antisistema infiltrados involuntariamente en la industria, tiene su principal virtud y su mayor defecto en el mismo punto: su visión absolutamente teñida de rosa de la época y de su protagonista. Con todo, un biopic único y una vía de entrada memorable en los alcantarillados de la serie Z de los cincuenta.

Mars Attacks! (1999)

Mars Attacks Web

Recuperando la vena gamberra de Bitelchús y con un reparto absolutamente coral y rebosante de estrellas (por mencionar solo algunas: Jack Nicholson, Glenn Clones, Annette Bening, Pierce Brosnan, Danny DeVito, Sarah Jessica Parker y muchos otros), Burton tomó como punto de partida una salvaje colección de cromos que satirizaban las películas de ciencia ficción de los cincuenta para sacar a pasear su vena más satírica y destrozona. El resultado es una comedia ácida llena de gore y humor demente que visualmente no es tan caracteríutica como otras películas de su filmografía, pero espiritualmente sí.

Sleepy Hollow (1999)

Sleepy Hollow 1

Hasta este punto, la carrera de Tim Burton era imparable: éxitos de taquilla más o menos moderados y el aprecio de la crítica, que se detendrían cuando firmó una de sus peores películas, el remake de 'El planeta de los simios'. Pero antes, rubricó este espléndido homenaje al cine de terror de la Hammer, rebosante de imágenes inolvidables y de nuevo con un excelente reparto en el que solo cojea un poco un Johnny Depp algo excesivo. En cualquier caso, guiños a Bava y Fisher y una estupenda atmósfera gótica para una película absolutamente deliciosa.

Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet (2007)

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'El planeta de los simios' fue el pistoletazo de salida para una etapa de Burton mucho menos interesante. Aunque tiene sus fans, 'Big Fish' no está a la altura de sus clásicos, y pese a su popularidad, 'Charlie y la fábrica de chocolate' está muy lejos tanto de la novela de Roald Dahl como de la adaptación previa. Donde sí remontó parcialmente el vuelo fue en 'Sweeney Todd', una ambiciosa versión del musical de 1979 que mantiene todo el encanto grandguignolesco, excesivo y de macabro gótico victoriano del original, con su toque de romanticismo turbio. Una maravilla de morbosa demencia con un halo atemporal absolutamente fabuloso.

Alicia en el país de las maravillas (2010)

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Por aquí no nos convence demasiado esta adaptación de la inmortal novela de Lewis Carroll: su estética relamida y sus libertades con el texto la sitúan muy lejos de versiones más memorables, como la propia animada de Disney. Sin embargo, sus errores (algunos diseños horribles, como los de Tararí o Tarará o el Sombrerero) van de la mano de indiscutibles aciertos (entiende bien el frenesí caótico del libro, y hay personajes, como la Reina Roja, ciertamente memorables), y es verdad que su impacto en la cultura popular no se puede negar. Otra cosa es que, por su culpa, hayamos tenido que padecer toda la ralea de adaptaciones e imagen real de clásicos Disney, pero al César lo que es del César.   

Frankenweenie (2012)

Frankenweenie Jpg

Excelente homenaje de Tim Burton al cine expresionista y a los monstruos de la Universal, una pieza tierna y siniestra sobre un niño que resucita a su perro y que no solo entronca con los primeros cortos del autor (el animado 'Vincent' y la propia versión en imagen real de 'Frankenweenie', tambien disponible en Disney+), sino también con sus producciones animadas: la estupenda 'La novia cadáver' y, sobre todo, la magistral 'Pesadilla antes de Navidad', que Burton produjo y que visualmente se ha convertido en una pieza absolutamente inolvidable e icónica.

Bitelchús Bitelchús (2024)

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No dábamos demasiado por esta secuela tardía de 'Bitelchús', pero lo cierto es que el paréntesis televisivo de 'Miércoles' ha servido a Burton para tomar nuevas energías pese a que su anterior película es la peor (con diferencia) de su filmografía, la hórrida 'Dumbo'. Le sirvió, eso sí, para reencontrarse con Michael Keaton (del mismo modo que 'Miércoles' le reencontró con Christina Ricci), y ambos vuelven en sus papeles originales (y el añadido de Jenna Ortega) en una película frenética, delirante y llena de inventiva y delicatessens macabras. No tiene la pasmosa energía de la primera entrega, pero tal y como está el mundo de las comedias sobrenaturales, sabe a gloria (del infierno).

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Gorillaz revolucionaron internet hace 26 años con una web en Flash. Ahora la recrean con tecnología moderna… y la misma estética

Gorillaz revolucionaron internet hace 26 años con una web en Flash. Ahora la recrean con tecnología moderna... y la misma estética

Si viviste internet a finales de los noventa, sin duda recuerdas páginas rebosantes de animaciones en Flash, con vídeos embebidos, partes interactivas que a veces eran como complejos acertijos... eran los primeros pasos de la web explorando su potencial como herramienta publicitaria, y todos los grupos querían tener presencia digital. Gorillaz hicieron una de las propuestas más sofisticadas, y ahora... su casa virtual ha vuelto.

Un paseo por Kong Studios. En 1998, podíamos darnos un paseo digital por el interior de los supuestos estudios donde vivían y ensayaban la banda virtual Gorillaz. Era una web que funcionaba bajo el desaparecido y llorado Flash, y estaba llena de huevos de pascua para fans, material extra que no se encontraba en los discos, minijuegos... una gran cantidad de material que creció durante diez años, cuando acabó cerrando. 

La mejor banda inexistente del mundo. Gorillaz es una banda británica virtual fundada ese mismo 1998 por el músico Damon Albarn (Blur) y el dibujante Jamie Hewlett (creador de Tank Girl). El grupo lo conforman cuatro miembros ficticios animados (2-D, Murdoc Niccals, Noodle y Russel Hobbs), cuya historia se ha ido desarrollando, en tiempo más o menos real (han ido envejeciendo, de hecho) a través de un elaborado universo narrativo. Gorillaz nació como una crítica a la superficialidad de los medios tipo MTV, y con sus personajes, Albarn y Hewlett querían subvertir los códigos de las estrellas pop.

Debutaron en 2001 con un álbum homónimo, donde ya tuvieron éxitos que fusionaban rock, hip hop, electrónica y pop. Desde entonces, y pese a paréntesis más o menos prolongados, no han dejado de grabar y tocar en directo, con sofisticados montajes que respetan las identidades virtuales de los miembros. 

Kong Studios resucita. Gorillaz (que están ahora más activos que nunca) han traído de vuelta ese paseo primigenio por los Kong Studios, han reprogramado la web para que no haga falta ejecutar Flash, pero permanece fiel a la estética y limitaciones originales: animaciones rígidas, visuales pixelados... y con un regalo, un juego (que parece programado, realmente, en 1998) donde debemos adentrarnos en el cementerio que rodea al estudio armados con una pala para defendernos del ataque de unos gorilas zombis, al estilo de lo que mostraba el legendario videoclip de 'Clint Eastwood'

Más de lo mismo. El sitio original brindaba media hora de minijuegos delirantes, una jukebox donde se podía reproducir la entonces aún breve discografía de Gorillaz al completo, incluyendo remixes y versiones inéditas... En este vídeo podéis recordar lo que era aquel paseo, que no ha sido replicado con total exactitud, pero sí en buena parte. Lo suficiente como para echar de menos los días en los que la presencia de las bandas en internet no era una mera cuenta de Instagram, sino un auténtico esfuerzo de dedicación a sus fans, con regalos e interacción con todo aquel que les brindara algo de tiempo.

Viva lo Flash. Con una estética que hoy consideraríamos chirriante y excesiva en estos tiempos en el que el gris es la norma, Flash Player, difunto desde el 31 de diciembre de 2020 sentó las bases estéticas (y casi filosóficas) de otra era de internet, donde todo era una caótica jungla de animaciones y juegos hechos por payasos en sus habitaciones. Kong Studios era un lujo asiático comparado con el cutrerío y el desenfreno que campaba por una internet sin límites, una que no volverá: aunque podemos celebnrarla como merece, volviendo a los dominios de Gorillaz.

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Más de 200.000 libros por 11 euros al año. Es ‘El Club de los Libros Libres’ de Valencia, un paraíso para devotos del papel impreso

Más de 200.000 libros por 11 euros al año. Es 'El Club de los Libros Libres' de Valencia, un paraíso para devotos del papel impreso

En una ciudad como Valencia, no precisamente carente de librerías de segunda mano, ha nacido un proyecto que va más allá del mero negocio con volúmenes que ya han vivido una o varias lecturas. Se trata de 'El club de los libros libres', una mezcla de librería, rastro de papel, club social y ONG bibliófila que, a cambio de una cuota mínima, permite a sus socios llevarse todos los libros que deseen.

Su responsable es Rafael Soriano, que nos transmite un entusiasmo por la lectura perfectamente en línea con la filosofía del local: "Todos los libros son joyas, algunos necesitan un poquito de mimo y ese es el objetivo del Club: salvar los libros, pasarlos de unas buenas manos a otras y de esa manera, entre todos, contar con una inmensa biblioteca de personas que queramos seguir guardando los libros".

Todos los libros merecen ser leídos (como dice Rafael, "un libro puede ser un ladrillo, pero si tú encuentras una página, un párrafo, un texto que te dice algo, ya es un buen libro") y por tanto, conservados. Por eso 'El club de los libros libres' tiene una asequible cuota de socio, 11 euros al año, que permite llevarse todos los libros que se deseen (para donar ni siquiera es necesario ser socio), devolverlos o conservarlos si se desea. La intención del club es que ningún libro sea desechado, y claro, eso lleva a problemas.

El principal es que Rafael dejó de contar los ejemplares que había en el local cuando llegó a los 200.000, y la falta de espacio le ha obligado a dejar de clasificar, archivar, listar e incluso restaurar aquellos volúmenes a los que les hace falta. En el local original no caben más volúmenes, lo que les ha llevado a recurrir "a socios que tienen algún espacio en casa, un garaje, un almacén pequeño. Cuando alguien solicita un rescate grande, digamos de diez, doce, catorce cajas de libros, en el local de Valencia no caben".

El proyecto se ha convertido, de este modo, en una idea completamente colaborativa: la web centraliza las llamadas de auxilio en busca de espacio, y calculan que ahora mismo rondarán en torno a los 300.000 libros "salvados", como a Rafael le gusta decir. Hay planes de futuro y de ampliación aunque de momento el desahogo llega de proyectos como otro Club abierto en Padrón (A Coruña) con un funcionamiento similar.

También se ha llegado a un acuerdo con Correos para que los socios puedan intercambiar libros directamente sin necesidad de pasar por el local de Valencia, de nuevo con la web como punto de encuentro. Aunque la ambición de Rafael va más allá, y le gustaría ver locales como el suyo en otras provincias, y "que los socios puedan coger un libro en Valencia, dejarlo en Cáceres, coger uno en Cáceres y dejarlo en Barcelona".

De informático a guardián de libros

Rafael Soriano arrancó su carrera como programador informático: "comencé los estudios de informática antes de que existieran las facultades de Informática. En el año 85 comencé y a partir del 88 me dediqué a la programación para distintos clientes. Al final el fuerte de mi programación era la gestión de bares y restaurantes". Más tarde dio el salto al otro lado de la pantalla: "Por aquello de haber conocido el sector, estuve como gerente de un bar-restaurante durante un año, con treinta y tantos empleados en la playa".

Después de dedicarle casi diez años lo traspasó y se quedó "un poquito en el limbo: no tengo edad para jubilarme todavía, pero no quiero estar en casa, aunque tenga algo de recursos para poder aguantar". Y de este modo nació el Club: "un poco como hobby, un poco como refugio". Y cerca del mar, "porque me gusta nadar, ver amanecer nadando".

Un proyecto completamente nacido de la devoción por la página impresa y que ha cuajado en algo más que una librería: un hogar para libros viejos que sirve como tránsito en busca de nuevas casas. O como dice Rafael, "es un taller de alquimia, es decir, todo lo que hay ahí es papel, es papel amontonado, pero en las manos adecuadas se transforma en oro."

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El regreso del Alatriste de Pérez-Reverte no es solo un best-seller seguro: también es la vuelta de nuestra franquicia más popular

El regreso del Alatriste de Pérez-Reverte no es solo un best-seller seguro: también es la vuelta de nuestra franquicia más popular

Hoy llega a las librerías la nueva entrega de la serie del 'Capitán Alatriste' de Arturo Pérez-Reverte. Aunque han pasado 14 años desde su última novela, su éxito es indiscutible y se palpa no solo en las derivadas que ha ido viviendo el personaje (la mayoría durante este paréntesis en el tiempo de la serie original de libros), sino también en el impacto que ha tenido la serie al margen de la industria del entretenimiento. Tanto, que quizás podemos considerar 'Alatriste' como la principal franquicia que ha dado la cultura española en los últimos años.

Franquicia de éxito. Por supuesto, Alatriste no es el único personaje de ficción que ha vivido una existencia de éxito más allá de su encarnación original. Es inevitable pensar en Mortadelo y Filemón, su exitosas adaptaciones al cine y animación y sus recordados videojuegos para PC. Y también está el significativo caso de Torrente, por dos razones: primero, su resignificación politizada, a veces en contra del deseo del autor original; y segundo, su recuperación actual, cuando la nostalgia parece ser la única maniobra comercial segura. Torrente tuvo cómic y videojuego (y máquina tragaperras), pero de alcance meramente anecdótico.

Lo que llama la atención de Alatriste es que, pese a que las novelas han sido un éxito editorial muy considerable, sus sucesivas adaptaciones y reencarnaciones también han tenido el apoyo del público y las simpatías de Pérez Reverte.

Los libros originales. La saga de libros original narra las aventuras de Diego Alatriste y Tenorio, un veterano soldado de los tercios de Flandes que malvive en el Madrid del siglo XVII como espadachín a sueldo y en plena decadencia del Imperio español. A la serie original, compuesta por siete libros publicados entre 1996 y 2011, se suman ahora dos más. Buena parte de su éxito se debe, aparte del tono a veces folletinesco y de despreocupada aventura de espadachines, a la aparición de personajes célebres del Siglo de Oro y su cuidada ambientación histórica.

En el audiovisual. La película 'Alatriste', de Agustín García-Yanes no es un producto precisamente secundario: debido a la participación de una estrella internacional, Viggo Mortensen (en aquel momento muy en boga gracias a las películas de 'El Señor de los Anillos'), su presupuesto se catapultó hasta convertirse en la película más cara hasta el momento de la historia del cine español. Con una factura completamente exportable, no consiguió sin embargo un desmesurado éxito de taquilla.

Eso no impidió que en 2015, Telecinco estrenara una serie adaptando las novelas. La dirigieron Salvador Calvo y Enrique Urbizu y dio vida al protagonista Aitor Luna. La serie cumplió en audiencias, pero fue duramente criticada por su estética abrumadoramente televisiva.

Otros medios. Pero no acaba ahí la carrera de Alatriste: Aunque no hemos llegado a ver un videojuego de Alatriste, sí que hemos catado un juego de rol ('Juego de rol del capitán Alatriste', del legendario Ricard Ibáñez -al que todos recordamos por el mítico 'Aquelarre'- y que disfrutó incluso de dos expansiones). También ha habido dos cómics. 'El capitán Alatriste' (2005) y 'Limpieza de sangre' (2008), ambos con guión de nada menos que Carlos Giménez y basados en los dos primeros libros de la serie.

Más allá de las adaptaciones. Sin embargo, lo más interesante del éxito de 'Alatriste', y lo que consagra la serie como indiscutible franquicia triunfal de nuestra cultura pop es el impacto que ha tenido más allá de las adaptaciones. Por ejemplo, la saga renovó el interés por el Siglo de Oro, algo que se notó no solo en exposiciones, lanzamientos de libros y demás, sino incluso en términos educativos: los libros llegaron a usarse como material educativo en las escuelas, con la reedición incluso con guías de lectura.

De la mano, Alatriste nos llevó a repensar el "carácter español", con sus luces y sombras, algo de lo que Pérez-Reverte no ha dejado de reflexionar hasta el momento y que permeó en su momento en innumerables ensayos y artículos. Alatriste sigue en pie, y no solo por intereses comerciales: su presencia como icono cultural español es indiscutible.

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