Autor: John Tones

No hay duda de que las ficciones coreanas están arrasando en occidente desde hace unos años. Tras la avanzadilla cinematográfica que supusieron películas como 'Train to Busan', 'Old Boy' o la oscarizada 'Parásitos', la invasión se está prolongando a las series. Y ahora, Atresmedia intenta subirse al carro con una decisión inesperada: el estreno de la superproducción de Corea del sur 'Saimdang: diario de la luz'.

Corea después de Turquía. Después de explotar a conciencia el filón turco que está comenzando a remitir pero que tan buenos réditos ha dado a Atresmedia (y sus competidores), la compañía apunta a otra cinematografía "exótica". Está muy claro que Atresmedia quiere repetir el proceso: en 2018, estrenó 'Fatmagül' en Nova, y se convirtió en una de las series de mayor éxito de la historia de la plataforma. No solo eso, sino que abrió la espita para multitud de series de la misma procedencia.

La confirmación del éxito. De ese modo llegaron series como 'Sila', 'Amor de contrabando', 'El secreto de Feriha'... o 'Madre', que el grupo se atrevió a estrenar en el prime time de Antena 3 en 2020. El éxito la mantuvo 55 semanas en la parrilla. En su mejor momento, triplicando el día de emisión, llegó a tener 18% de share y 2,2 millones de espectadores. La consolidación de series como 'Mi hija' e 'Inocentes' se sumó al importante papel de 'Tierra amarga' para convertir a Antena 3 en esa apisonadora de audiencias que ha acabado con el reinado de 'Sálvame'.

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Entra Corea. En este contexto llega la nueva apuesta de Atresmedia, que se enmarca dentro de una fiebre generalizada por los productos coreanos, y de la que los propios habitantes del país son tan conscientes que incluso tienen un nombre para ello: hallyu. No olvidemos que a precedentes como las películas mencionadas y a directores fijos en los palmarés de los festivales más importantes del mundo, como Park Chan-Wook , Bong Joon-Ho o Hong Sang-Soo, se suman fenómenos de alcance internacional como el K-pop, a cuyos fans hemos visto en más de una ocasión organizar acciones que impactan en el día a día de los medios mainstream.

Corea wins. A esto se suma un interés generalizado por las series: los ejemplos son innumerables, aunque destaca 'El juego del calamar', que para muchos espectadores de Netflix supuso un primer paso en el mundo de las series coreanas, que abarcan tantos géneros y estilos como las producciones occidentales. Series tan distintas como 'Estamos muertos', 'Rumbo al infierno' o 'Mar de la tranquilidad' han triunfado en Netflix, y la apuesta de la plataforma por las series del país es obvia: este año van a estrenar 34 series del país y van a invertir 2.500 millones de dólares en productos coreanos durante los próximos cuatro años.

Qué propone 'Saimdang: diario de luz'. El trailer deja bien claro que no estamos ante una serie de ciencia ficción o terror, o un thriller criminal, sino una propuesta de drama ligero -sin excentricidades ni detalles escabrosos- romántico. Conoceremos a una joven profesora de arte tiene que indagar en la autoría de un cuadro antiguo. Cuando es expulsada del trabajo y su vida privada, que dependía de éste, se desmorona, inicia una investigación por su cuenta para limpiar su nombre.

Es entonces cuando la serie da un salto en la narración para mandarnos a cinco siglos atrás, cuando en la Dinastía Joseon una joven pintora hija de un alto funcionario de la Corte conoce a un príncipe del que se enamora. Su romance tendrá que enfrentarse a la oposición de las familias de ambos. El argumento, enrevesado como todo culebrón, incluye sus dosis de intrigas palaciegas y saltos en el tiempo incluso dentro del pasado. Descubrir la verdad de aquella relación y todo lo que conllevaba será esencial para que la profesora de arte del presente vea restituido su prestigio.

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La arriesgada apuesta de Atresmedia. Por mucho que la serie venga refrendada por un éxito considerable (ya ha pasado por mercados como China, Japón, Malasia, Estados Unidos, Filipinas y Tailandia), es obvio el riesgo que está tomando Atresmedia, aunque repita la jugada de usar Nova como una zona de pruebas. El horario, algo complicado (once de la noche, desde el pasado 24 de abril) y el evidente abismo cultural que media entre el público español y una serie coreana con ambientación de época también dificultan el éxito.

La incógnita coreana. Sin embargo, la experiencia de las series turcas es un precedente muy notable, ya que llegó a contaminar otras parrillas e incluso a generar estrategias similares por parte de las cadenas rivales (como el intento de recuperar el culebrón tradicional latinoamericano, algo que a Telecinco le salió regular con 'Café con aroma de mujer'). Está por ver si el estilo romántico de 'Saimdang' tendrá el atractivo de otros géneros para un segmento de la población española que puede no estar acostumbrada a los ritmos narrativos del audiovisual coreano. Un enigma que no tendremos que esperar 500 años para ver resuelto.

Cabecera: Atresmedia

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Los efectos del apabullante éxito de taquilla de 'Super Mario Bros. La película' comienzan a notarse también en la vertiente del negocio que menos interesa a Nintendo: los esfuerzos para que se vea fuera de su control. La primera salida de Mario más allá de las salas de cine ha sido notable por el inusual descaro con el que una televisión tradicional ha desafiado a una empresa que, además, es notable por la visceralidad con la que combate los asaltos a su copyright.

Fue el canal televisivo argentino en abierto GenTV el que emitió la película de reciente estreno el pasado 16 de abril. El canal se precia de escuchar las propuestas de sus espectadores y emitir las películas que se le solicitan, lo que les ha llevado a incluir en su programación, por ejemplo, las películas de Marvel (el pasado día 21 emitieron un maratón con todas las películas de Spider-Man y Ant-Man del MCU... incluyendo 'Quantumanía'). Por supuesto, también sin autorización.

Lo que ha llevado a que la situación se conozca en todo el mundo no ha sido el atrevimiento de la emisión, algo que se hace de forma más o menos subrepticia por vías no legales desde que empiezan a circular screeners a pocos días de un gran estreno, sino la retranca con la que se lo ha tomado la propia GenTV. Tras la emisión y la sorpresa en redes, los perfiles oficiales de la cadena se han burlado del tema tirando de memes.

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Cuidado con la N

Como comentábamos a propósito de la polémica de Illojuan retransmitiendo en streaming una partida a 'Breath of the Wild' ejecutado desde un emulador, Nintendo es conocida por ser especialmente activa en la persecución de aquellos medios o perfiles que difunden sus contenidos sin autorización. Por ejemplo, hicieron cerrar canales de Youtube y Twitch que emitían gameplays de juegos de consolas de la compañía emulados por Steam Deck.

Esta actuación de GenTV posiblemente se topará con una actitud beligerante por parte de Nintendo, ya que 'Super Mario Bros.' es una de las películas que, junto a 'Avatar 2' está haciendo que las compañías se replanteen las ventanas de exhibición. Tras un periodo de transición, en el que se llegaron a ver recortes tan excesivos como los que llevaron al estreno simultáneo en cines y HBO Max de Warner, se está volviendo a extender el periodo de las ventanas.

'Avatar 2', por ejemplo, aún no tiene fecha para el estreno en abierto en streaming o en formatos físicos, aunque sí lleva unas semanas en alquiler en distintas plataformas. 'Super Mario Bros.' no va a prolongar tanto la espera desde el estreno en salas, pero también es buen ejemplo de esta tendencia: llegará el 9 de mayo (no oficial: es la fecha que ha filtrado iTunes) a alquiler, así que posiblemente hasta unos meses más tarde no se pueda ver en streaming.

Cabecera: Universal

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La noticia Nintendo no va a permitir que 'Super Mario Bros' se emita en televisión sin su permiso. Argentina lo acaba de descubrir fue publicada originalmente en Xataka por John Tones .

Lleva un tiempo siendo uno de los códigos más conocidos y explotados de la ciencia ficción. Su versatilidad y abstracción ha permitido que "el fin del mundo" se convierta en un tropo recurrente y que se ha transformado, infatigable, con el paso del tiempo. Y no es para menos: a todos nos fascina preguntarnos qué pasara cuando llegue el final de la civilización. Mi problema: preguntármelo ha dejado de divertirme.

Ya en los tiempos de los pioneros de la ciencia ficción los autores miraban al final de los tiempos y se preguntaba cuál sería la remota conclusión de nuestro planeta y nuestra especie. Pero incluso antes, en los primeros textos conocidos, ya existe cierta especulación al respecto: en la Epopeya de Gilgamesh, el texto más antiguo conocido, ya se habla de dioses muy cabreados que envían terribles inundaciones para castigar al hombre. Es inevitable pensar en la Biblia y el Diluvio Universal como una réplica de aquella historia sumeria que data del 2000-1500 AC.

Pero no es la única historia apocalíptica que tenemos en la Biblia, lo que garantiza la implementación en la memoria colectiva de según qué códigos: la destrucción de Sodoma y Gomorra (y las hijas de Lot creyendo que son los únicos humanos que quedan, lo que les lleva a acostarse con su padre para asegurar el destino de la especie) o el Libro de las Revelaciones, donde se originó el propio término "apocalipsis" (o "revelación de secretos") y cuyas visiones del Juicio Final conocemos de sobra.

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Ya en la literatura moderna, tras algunos precedentes muy notables, como el poema 'Darkness' de Lord Byron, 'El último hombre' de Mary Shelley o 'After London', de Richard Jefferies, llegan los primeros clásicos de la ciencia ficción, y con ellos, las primeras visiones de un futuro desolador. Muy significativa, por ejemplo, es 'La máquina del tiempo' de Herbert George Wells y su futuro sin libros, con aterradores Morlocks habitando en las cuevas al resguardo de la luz del sol.

Los años cincuenta y la paranoia atómica llevó a configurar una nueva forma de ver estas ficciones apocalípticas, aunque no fue en ese momento, cuando el género estaba más preocupado de las invasiones alienígenas, que eclosionó el fin del mundo en el género, sino a posteriori. El cruce con otro género, el terror, y con un monstruo teóricamente ajeno a la ciencia ficción, los muertos vivientes, propició que las ficciones post-apocalípticas sufrieran un nuevo vuelco cuyo eco perdura hasta hoy.

El apocalipsis zombi

Apocalipsis no solo porque en las películas de muertos vivientes estemos contemplando el fin del mundo, sino por el vuelco que dio a finales de los setenta un monstruo que durante un tiempo estuvo francamente infrautilizado en el género (y a menudo servía como fantasía de poder colonial, como advertencia de los terribles poderes que los salvajes caribeños podían desencadenar sobre los bondadosos blancos colonizadores, un poco al estilo de lo que fue 'La momia' durante unas décadas, pero peor, porque ya se sabe, son negros).

Ya en 'La noche de los muertos vivientes', la primera película de la trilogía principal (luego prolongada) de George A. Romero sobre sus muertos se respiraba un ambiente apocalíptico, aunque no llegaba a corroborarse del todo. Pero sí se mencionaba un evento cósmico que, quizás, estaba haciendo resucitar a los cadáveres, y debido al bajo presupuesto de la película, los escenarios vacíos y oscuros daban un toque de desolación a la atmósfera que retrotraía a la principal inspiración de Romero, otro icono clave de las ficciones apocalípticas: la novela 'Soy leyenda' de Richard Matheson.

Sin embargo, el vuelco total lo dio su primera secuela: 'Zombi' plantea un apocalipsis en los que los humanos se organizan de forma espontánea en pequeños grupos para sobrevivir. Una idea tan poderosa que el comportamiento de los protagonistas del film se ha seguido repitiendo sin descanso desde entonces. Por no hablar del tópico de "ratos libres en el mall abandonado". Romero seguiría haciendo crecer la mitología del mundo con otra convención explotadísima: científicos vs. militares en la tercera entrega, 'El día de los muertos', que se abría con unos planos de ciudad desolada y ocupada por muertos que ha sido literalmente calcada plano por plano decenas de veces.

La humanidad qué

En todas ellas tenemos un planteamiento apasionante: qué es de los humanos en una situación extrema. Los muertos vivientes son un problema de fondo, pero el auténtico problema es en qué nos convertimos cuando llega una situación de crisis. Es una aproximación tan versátil y universal que ha recibido múltiples enfoques, de la diversión y el desenfreno juvenil de 'La noche del cometa' a la reflexión antropológica a trescientos por hora de 'Mad Max: Furia en la carretera'.

Hablábamos hace un tiempo de que lo realmente interesante de las historias apocalípticas no está en la causa, sino en el impacto que tiene en los humanos. 'El día de los trífidos' no es una historia sobre botánica agresiva y las películas sobre los muertos de Romero rara vez hablan de las circunstancias que rodean al insólito hecho de que los muertos resuciten (si lo hizo su spin-off apócrifo más notable, la saga 'El regreso de los muertos vivientes'... y por eso no son películas post-apocalípticas, sino otra cosa también estupendísima).

Las películas post-apocalípticas hablan de la gente, de cómo cambian en situaciones extremas, de cómo conservamos un rastro de nuestra humanidad incluso en situaciones extremas, como sucedía en una de las mejores fantasías post-apocalípticas recientes, 'Black Summer', donde la búsqueda de una hija perdida llevaba a una peligrosa aventura a la protagonista. O como decía el protagonista en el momento más icónico (aunque no precisamente el más sutil) de 'The Walking Dead': "Nosotros somos los muertos", haciendo referencia a la humanidad perdida con el fin de la sociedad tal y como se conocía.

Quizás ese fue un punto de inflexión en el que me dejaron de interesar las historias de post-apocalipsis subsección zombis/infectados/pandemias con horribles mutaciones. Cuando gracias al éxito del cómic y, sobre todo, la serie de 'The Walking Dead', los tropos se masificaron de tal modo que hubo que dejar a un lado las parábolas, las metáforas y los mensajes incómodos: adiós, reflexiones pesimistas sobre la sustancia de lo humano. Hola, aventuras futuristas sobre cómo sobrevivir a un mundo en ruinas.

El mejor ejemplo reciente es 'The Last of Us', una serie en la que se puede celebrar su focalización en los personajes y sus relaciones, pero que cojea cuando se empeña en demostrar que con un esfuercito la sociedad puede recomponerse. No es cuestión de pesimismo (reconozco que tengo debilidad por las historias de desolación total como 'Soy leyenda' en la que, por definición, la especie está condenada al haberse reducido su número de miembros a uno): pero si nos ponemos estrictos, la definición misma de "apocalipsis" es que está todo como un solar.

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Problema extra: esta reivindicación de las posibilidades de rehacer la sociedad viene a menudo disfrazada de fantasía de poder violenta, como reflexionaba Henrique Lage en Twitter, con lo que el "rehacer" la sociedad es también un rearmarse hasta los dientes y hacer trizas a todo lo que se menee y no sea humano. Un criterio que, cuestiones morales aparte, tiende al detallismo aburrido, un poco como un sandbox con misiones secundarias poco inspiradas -recorre diez millones de kilómetros para encontrar balas para la escopeta que acabas de encontrar- y se agota rápido.

Hay algo de traición al espíritu del género si usamos el fin del mundo para acabar mostrando cómo la gente se reorganiza para crear comunidades y refundar el capitalismo. ¿Los monstruos no han servido para nada... y encima tenemos que tragarnos un montón de diálogos funcionales sobre "Cómo funcionan las cosas"? Hace tiempo que el fin del mundo dejó de divertirme en la ficción, y fue quizás cuando saquear un mall perdió definitivamente todos los elementos de sátira anticonsumista.

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Con solo una semana en la plataforma, 'Fenómenas' se ha convertido en una de las sorpresas más notorias de las recientes producciones españolas de Netflix. Ha entrado en el quinto puesto de la lista global de películas en habla no inglesa más vistas de la plataforma, con 4.870.000 horas. Y por supuesto, está en el Top de lo más visto en España, como tercera película más vista esta semana. Y su éxito puede dar algunas lecciones sobre lo que puede pretender Netflix para un futuro.

Algunos fenómenos. La película nos habla acerca de la creación y algunos casos del Grupo Hepta, un grupo de investigación paranormal en el que participaban especialmente varias mujeres, y que se vio envuelto en algunos eventos de difícil explicación. Especialmente notable fue el de una tienda de antigüedades donde sucedían todo tipo de fenómenos que escapaban a la razón.

Uno de los grandes atractivos de la serie es su reparto, primordialmente femenino, y donde destacan, entre otras, Belén Rueda, Gracia Olayo, Toni Acosta, Emilio Gutiérrez Caba, Ivan Massagué o Miren Ibarguren. Además, a los mandos está Carlos Therón, responsable de éxitos de la comedia reciente como 'Operación Camarón', 'Lo dejo cuando quiera', 'Es por tu bien' o 'Fuga de cerebros 2'. Sin embargo, hay un atractivo extra para la serie: el grupo Hepta existió (y existe) realmente.

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Heptafenomenal. El grupo Hepta fue fundado a finales de los ochenta por el famoso y mediático padre Pilón y comandado por tres mujeres. 'Fenómenas' retrata el caso más notorio al que se tuvieron que enfrentar estas investigadoras castizas, a finales de los noventa. De hecho, la película no reniega en ningún momento de su inspiración genuina: una de las mujeres en las que se basan las protagonistas, Paloma Navarrete, murió en 2022, y la película de Netflix está dedicada a su memoria. Además, entre las promociones que ha llevado a cabo la plataforma está un curioso vídeo en la que las dos supervivientes comparan los casos reales con lo que vemos en la película.

Buena parte del encanto de la película y quizás responsable en buena medida del éxito es el transparente costumbrismo que respira: de los escenarios que rebosan catolicismo rancio al cardado de Belén Rueda, el grupo Hepta es la cara más simpática de la España negra, y como tal, está a un paso del folk horror ibérico. Netflix ha descubierto que la historia secreta de nuestro país es atractiva para el gran público.

España como surtidor de temas. Es habitual cuando la plataforma desembarca en un país que comience a producir ficciones ambientadas en ese entorno. Le asegura producciones reconocibles y un público que de inmediato va a responder positivamente: por ejemplo, nada más llegar a España lanzó 'Las chicas del cable'. Desde entonces se han sucedido series, muchas de ellas ambientadas en la España actual y de corte más o menos realista, como 'La chica de nieve', 'Élite', 'Intimidad', 'El inocente', 'Los favoritos de Midas' o 'Machos alfa'.

Sin embargo, también ha experimentado con otros géneros, de la acción de corte tarantiniano ('Sky Rojo') a los thrillers con proyección internacional (cuando arrancó su etapa en 'La casa de papel') o las distopías juveniles ambientadas en España como podrían estar ambientadas en cualquier otro lugar, como 'Bienvenidos a Edén'. Son solo algunos de los muchos ejemplos que destacan en una plataforma que, como demostró con la ampliación de su centro de producción cerca de Madrid, sabe que le conviene apoyar la producción nacional.

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El secreto de lo cañí. Está claro que "lo español" interesa a Netflix, pero hay una vibración muy particular de esa españolidad que quizás la plataforma pudiera estar interesada en explotar. Independientemente de sus valores como versión patria de 'Los Cazafantasmas', hay algo del mítico 'Celtiberia Show' de Carandell en la película, y Netflix ha sabido vibrar en esa sintonía en muy pocas ocasiones. Paradójicamente, lo hizo en una de sus primeras producciones españolas, la mencionada 'Las chicas del cable', pero en una línea muchísimo más seria y rigurosa. También lo hizo en la fallida 'Feria' y en la gloriosa 'Paquita Salas', aunque en ambos casos la ambientación nos escamoteaba, o bien bañaba de ironía en el caso de Paquita, la laca, el gotelé, los crucifijos y las mesas camillas.

Pero todo eso son elementos de la historia de España más reciente, una que está llena de historias que contar en sus rincones más oscuros. De los años más tenebrosos de la dictadura a la altamente desmitificable Transición, pasando por este cambio de siglo que retrata 'Fenómenas' y donde empezaron a gestarse todos los barros que nos llevaron a estos lodos. El público está más que preparado para ver retratado el pasado de España, sea en comedias camufladas de 'Los Cazafantasmas' ibéricos o no. Y Netflix ya ha comprobado que hay ahí potenciales éxitos.

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Créenos: hay pocas cosas que te puedas echar a las retinas comparables a 'Xtro', una película maligna y perversa salida de las catacumbas del VHS de los años ochenta y que ahora recupera Filmin en una jugosa edición restaurada. Durante muchos años se conoció como un cruce malsano entre 'E.T. el Extraterrestre', 'Alien' e 'Invasores de Marte', pero su año de producción, 1982, hace pensar que la película de Spielberg ni siquiera se había estrenado.

En ella conoceremos una historia digna de melodrama generacional: un padre de familia desaparece sin dejar rastro, aunque su hijo afirma que lo hizo cuando un gran destello apareció en el cielo. Años más tarde el hombre reaparece, pero su mujer, que ha empezado a rehacer su vida, sospecha que hay algo oscuro en ese regreso. Sin embargo, su hijo está entusiasmado con la vuelta de su padre.

Por supuesto, como sabemos nada más empezar la película, en realidad el cuerpo del padre está siendo usado por una inteligencia extraterrestre que tiene un plan. De momento, se infiltra en la familia haciéndose pasar por el humano. ¿Suena familiar? Bueno, aunque hayas visto este argumento millones de veces, no te lo han contado esta forma: con una textura que sintoniza con el cine de terror de serie B más brutal de los ochenta, el que venía directamente de Italia, España y Alemania, esta rareza británica está rodada con una textura onírica y secuencias de con payaso demoniaco que recuerdan a 'Phantasma' más que a 'Alien'.

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Monstruos increíblemente extraños, una escena de parto instantáneo que traumatizó a más de un niño de los ochenta, efectos especiales modestos pero extremadamente ingeniosos y, sobre todo, una lógica pesadillesca que convierte a la película en una extrañísima pieza artie de horror extremo que dialoga, de entre todas las cosas, con una película reciente también inclasificable, como 'Under the Skin'. Una demoledora e irrepetible pieza a medio camino entre la explotación y el cine de autor que, sencillamente, no puede compararse con ninguna otra película de invasiones alienígenas de los ochenta.

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La noticia Esta versión de pesadilla de 'E.T. El Extraterrestre' contiene la ciencia ficción más brutal que puedes ver en streaming fue publicada originalmente en Xataka por John Tones .

Después de tres años, un spin-off y unas cuantas series más de 'Star Wars' surgidas a su sombra que permiten establecer las necesarias comparaciones, ya es posible dar un veredicto definitivo sobre 'The Mandalorian', la producción que estableció el canon de lo que debían ser las producciones televisivas modernas basadas en la franquicia de Disney. El resultado no es necesariamente negativo, pero no está a la altura de las expectativas que generó su arranque.

Es cierto que esta tercera temporada ha destacado por cierto empuje a la hora de distanciarse de terrenos trillados: ha pasado a tener un personaje colectivo con el grueso de la población mandaloriana y ha narrado una historia de renacimiento de una sociedad, más que de redención de un individuo. Que algo de eso ha tenido también, pero paradójicamente el individuo redimido no ha sido Din Djarin, sino la inesperada coprotagonista de la serie, Bo-Katan Kryze.

Hemos recuperado la estructura de aventuras de Mando y Grogu, a menudo independientes en cada episodio, pero la ambición de contar una historia más compleja ha jugado en contra de este tercer año: por ejemplo, hemos visto un episodio íntegramente dedicado a un protagonista-sorpresa, en un giro que ni ya es tan revolucionario como cuando empezó a usarse en la televisión moderna, ni revestía demasiado interés más allá de sentar las bases para un giro posterior en forma de traición de uno de los coprotagonistas del episodio.

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Sin embargo, este protagonista fugaz era tan poco interesante (los guionistas habrían hecho bien en ver los increíbles episodios-evento de 'Mythic Quest', auténticas lecciones narrativas en ese sentido) que ese episodio se ha convertido un poco en resumen de toda la temporada: 'The Mandalorian' lo intenta, pero la sombra de la magnífica primera temporada es tan larga que no puedo evitar arrastrarla como una losa.

Cualquier tiempo pasado fue mejor

Es cierto que la primera vez solo puede, por definición, suceder en una ocasión, pero es que se alinearon los astros: un personaje lateralmente mítico en la cosmogonía de Star Wars (a la sombra de Boba Fett, el mandaloriano que los devotos conocían de la trilogía original, pero precisamente por eso, con toda una historia por revelar); un descubrimiento en la figura de Baby Yoda tan brillante que parecía casual (como el carisma del villano encarnado por Werner Herzog); una estructura narrativa de monster-of-the-week funcional y resultona; y escenarios conocidos, casi gastados (Tatooine), pero revitalizados gracias al acento en las dinámicas de western y de fantasía de espada y brujería.

Y además era la primera serie de 'Star Wars', después de un regreso a los cines que, aunque perfectamente defendible, había dejado un amargo sabor de boca a los fans. Aquí había sentido de la maravilla, efectos prácticos, personajes magnéticos y aventura pulp, como en la trilogía original pero con una estructura serial adecuada a los nuevos tiempos. Y encima, Baby Yoda / Grogu era un surtidor de memes.

Sin embargo, es imposible replicar esas sensaciones en este tercer año: a la maquinaria se le ven las costuras, y aunque Grogu es adorable, no se puede confiar solo en sus ronroneos para generar la devoción del espectador hasta el fin de los tiempos. De acuerdo, hay un simpatiquísimo giro cosmético con él en los dos últimos capítulos, pero queda solo como un guiño memorable.

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'The Mandalorian¡ no es, ni remotamente, una mala serie. De hecho, junto a 'Andor' (sin duda el mejor producto 'Star Wars' que ha salido de Disney+) supone una cita imprescindible para fans de la franquicia. Pero ha acabado cogiendo vicios que creíamos superados (la necesidad de consumir otras series para seguir el hilo, la gravedad impostada que siempre le ha sentado tan mal a la franquicia, personajes atractivos que luego quedan en nada) y el resultado es notable, pero a la vez justito. Tanto, que si no se anunciara un cuarto año, quizás sería lo mejor para dejar con buen sabor de boca al fan.

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La saga 'God of War' no es especialmente complicada de seguir, pero como cualquier franquicia de éxito que se ha tenido que seguir buscando las castañas para lanzar productos derivados que amplíen la escueta historia original, a veces puede ser algo confusa. Te proponemos que nos acompañes en la odisea de Kratos y su largo historial como asesino de dioses. Como de costumbre, revisamos los juegos en el orden de aparición y luego te contamos cómo jugarlos para revisar la historia de Kratos en orden cronológico.

Orden de lanzamiento

Estos son todos los juegos de la saga 'God of War':

1. God of War (2005) - PS2
2. God of War II (2007) - PS2
3. God of War: Betrayal (2007) - Móviles
4. God of War: Chains of Olympus (2008) - PSP
5. God of War III (2010) - PS3
6. God of War: Ghost of Sparta (2010) - PSP
7. God of War: Ascension (2013) - PS3
8. God of War (2018) - PS4, PS5 y PC
9. God of War: Ragnarok (2022) - PS4 y PS5

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Orden cronológico

A grandes rasgos muy similar, pero con pequeños cambios. Este es el orden cronológico que cuenta la historia de Kratos según fue sucediendo. Nos detenemos en cada uno de los juegos para darte los detalles.

1 - God of War: Ascension (2013) - PS3

Cuando la historia de Kratos llegó a cierto callejón sin salida, hubo que remontarse a los inicios del personaje, y su transformación en aniquilador de dioses a mano de Ares, dios de la Guerra. Ya conocíamos la historia, pero aquí somos sus protagonistas, y presenciamos el terrible pacto al que llegan el humano Kratos y la despiadada divinidad.

2 - God of War: Chains of Olympus (2008) - PSP

En el primero de los juegos de PSP, y primer salto en el tiempo a partir de la historia principal, Kratos se resigna a ser esclavizado por los dioses. Pasa cinco años en esa tesitura hasta que descubre una conspiración en el Inframundo y la posibilidad de congraciarse con las divinidades.

3 - God of War (2005) - PS2

Arranca la saga con el primer y aún impresionante juego exclusivo de Playstation 2. Conocemos a Kratos siendo esclavo de los dioses desde hace diez años y arrastrando un rencor considerable hacia Ares. Y no es para menos, visto lo visto.

4 - God of War: Ghost of Sparta (2010) - PSP

Pese a aparecer en PSP después de la tercera entrega, un juego clave para entender la cronología del personaje, ya que se insertaba algo después del primer juego. Vivimos en él una aventura independiente, en la que Kratos ya es un dios y emprende la búsqueda, llegando hasta Atlantis, de su hermano Deimos, al que creía muerto.

5 - God of War: Betrayal (2007) - Móviles

Sigue el embrollo cronológico, con otro juego que parece no tener mucho calado en la historia principal, pero que se sitúa en un punto muy específico, con el Kratos dios liderando el ejército de Esparta. Esto no gusta a Zeus, que envía a un mensajero, Ceryx, que acaba masacrado por Kratos. Es decir, aquí empieza el choque del Fantasma de Esparta con el Olimpo al completo.

6 - God of War II (2007) - PS2

Recuperamos cierto sosiego en la cronología yéndonos a uno de los primeros juegos en aparecer del personaje. Esencialmente vemos a Kratos en las mismas circunstancias que 'Betrayal', liderando el ejército espartano después de 13 años como dios. En una fórmula similar al del juego de móviles, Kratos desafía al Olimpo y se enfrenta a todo el panteón de dioses pese a su amistad con Atenea.

7 - God of War III (2010) - PS3

A piñón seguido de 'God of War II' y sin tiempo para que Kratos se recupere (pese a que cambiamos de generación de consola), el espartano se une a los titanes para asaltar el Olimpo y matar a todos los dioses. Con él presenciamos cierto final de una etapa del personaje, y por eso el siguiente juego de PS3, 'Ascension', tuvo que retroceder para contar los inicios del personaje.

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8 - God of War (2018) - PS4, PS5 y PC

Una reformulación del personaje, necesaria en lo argumental porque ya no quedaba nada que contar de su etapa olímpica. Pero queda mucho que contar: se oculta de los dioses, se refugia al amparo del panteón de los dioses nórdicos y tiene una esposa y un hijo. Pero Odín está ojo avizor.

9 - God of War: Ragnarok (2022) - PS4 y PS5

La última aventura hasta la fecha de Kratos es la continuación directa del juego de 2018. El Ragnarök se aproxima, y con ello la guerra contra los dioses. Esta vez Odin y Thor serán la avanzadilla de una historia épica en la que Atreus, el hijo de Kratos, gana protagonismo y ya no va todo de aniquilar dioses.

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La noticia En qué orden jugar a 'God of War': todos los títulos de la saga en orden cronológico fue publicada originalmente en Xataka por John Tones .

Harry Potter vuelve a estar en el candelero. El nuevo reboot anunciado por Warner para su nueva plataforma Max (que sustituye a HBO Max) adaptará otra vez los seis libros originales escritos por JK Rowling. Como sucede con 'El Señor de los Anillos', ver tanto en orden cronológico como en orden de estreno las películas no ofrece demasiadas complicaciones, pero hay ciertos detalles que conviene tener en cuenta.

Orden por fecha de estreno de las películas

Aunque cronológicamente no sea la forma correcta, es el modo más sencillo de introducirse en el mundo de Harry Potter. ¿Por qué? Bueno, tenemos aquí dos grandes bloques: por una parte las ocho películas protagonizadas por Daniel Radcliffe. Por otra, la saga 'Animales fantásticos'. Aunque cronológicamente las tres películas de esta última van antes, la saga de películas originales nos introducen de nuevas en el mundo mágico de Hogwarts y sus reglas, así que es perfecta como introducción.

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El orden quedaría así:

1. 'Harry Potter y la piedra filosofal' (2001)
2. 'Harry Potter y la cámara secreta' (2002)
3. 'Harry Potter y el prisionero de Azkaban' (2004)
4. 'Harry Potter y el cáliz de fuego' (2005)
5. 'Harry Potter y la Orden del Fénix' (2007)
6. 'Harry Potter y el misterio del príncipe' (2009)
7. 'Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 1' (2010)
8. 'Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 2' (2011)
9. 'Animales Fantásticos y dónde encontrarlos' (2016)
10. 'Animales Fantásticos: los crímenes de Grindelwald' (2018)
11. 'Animales Fantásticos: los secretos de Dumbledore' (2022)

Orden cronológico de la historia

Y luego está el orden cronológico de la historia que arranca con lo que cuenta 'Animales Fantásticos'. El argumento de estas tres películas nos lleva unos setenta años antes de lo que se veía en 'La piedra filosofal', además de cambiar de ambientación: de Reino Unido a Estados Unidos, concretamente a Nueva York. Conoceremos a un nuevo mago, Newt Scamander, y la relación con la saga original de Harry Potter se estrecha con la aparición de una versión juvenil de Dumbledore, entre otros detalles de fan-service.

Este es el orden si eliges ver la saga atendiendo al orden cronológico de la historia.

1. 'Animales Fantásticos y dónde encontrarlos' (2016)
2. 'Animales Fantásticos: los crímenes de Grindelwald' (2018)
3. 'Animales Fantásticos: los secretos de Dumbledore' (2022)
4. 'Harry Potter y la piedra filosofal' (2001)
5. 'Harry Potter y la cámara secreta' (2002)
6. 'Harry Potter y el prisionero de Azkaban' (2004)
7. 'Harry Potter y el cáliz de fuego' (2005)
8. 'Harry Potter y la Orden del Fénix' (2007)
9. 'Harry Potter y el misterio del príncipe' (2009)
10. 'Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 1' (2010)
11. 'Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 2' (2011)

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Aunque parezca un contrasentido, el mejor orden para ver las películas es el de estreno. Es cierto que las películas de 'Animales Fantásticas' son precuelas, pero las películas originales de Harry Potter son ideales para introducirse en el Mundo mágico: están pensadas con el espectador novato en mente, porque fue el primer producto de la franquicia que se estrenó. Por ese mismo motivo, pese a transcurrir después en el tiempo, no incluyen spoilers de las precuelas, cuyos guiones se escribieron mucho después.

En cualquier caso, la creación de J.K. Rowling es un mundo lleno de matices y colorido, y donde los argumentos de las historia no importan tanto como la atmósfera y lo verosímil de sus universos. Por eso, cuando te hayas cansado de recorrer estas dos sagas te recomendamos que acudas a 'Hogwarts Legacy', donde tu sed de magia puede verse más que saciada, si es que aún te quedan ganas.

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El nombre de Stan Lee es, podríamos decir, tan conocido como el de la propia Marvel. Para el ojo menos entrenado o poco atento a los títulos de crédito (o muy atento, pero que se los cree a pies juntillas), Stan Lee es poco menos que el creador de todos los personajes clásicos que conforman el universo de superhéroes de la editorial.

Es un papel que Lee ha interpretado gustosamente hasta sobrepasar los noventa años. Lo hemos visto haciendo cameos en todas las películas de Marvel, después de innumerables demandas y cruces de acusaciones con la editorial donde ayudó a crear al panteón de dioses más popular del siglo XXI. Superadas las crisis legales, Stan Lee terminó aceptando su papel de tótem, más simbólico que otra cosa: una especie de demiurgo a quienes todos estos multimillonarios de Hollywood deben sus fortunas.

Pero... ¿realmente se las deben? Desde hace unos años, la figura de Stan Lee, por mucho que no haya perdido su potencial icónico (por eso ha sido abundantemente homenajeado tras su muerte y por eso ha aparecido sin descanso en todas las películas del MCU -una tradición que estaba en marcha desde los tiempos de los films de los X-Men y de los Spider-Man de Raimi-) ha sido puesta en duda. Por una parte, por la reivindicación de Jack Kirby como posible autor casi total de los clásicos de Marvel, y por otra, por la aparición de un libro que quiere documentar el papel auténtico de Lee en la creación de Marvel: 'Verdadero creyente - Auge y caída de Stan Lee', escrito por Abraham Riesman y publicado en España por Espop Ediciones.

Se trata de una revisión de la carrera del autor que desmenuza su participación en la creación de personajes como los Cuatro Fantásticos, Spider-Man, Capitán América, X-Men o Hulk, entre muchos otros, y que expone, con documentación y declaraciones de los creadores, testigos y editores directamente implicados en la Marvel de la época, qué sucedió realmente en la editorial. O qué pudo suceder, porque obviamente, las dudas siguen estando en el aire.

Para abrirnos paso por las cuestiones que plantea este estupendo volumen y la propia figura de Stan Lee, hemos charlado con Pablo Fluiters, periodista y experto en cómic, y que ha colaborado con nosotros en ocasiones como la charla sobre tebeos independientes USA que tuvimos en nuestro podcast 'Laberinto de papel'. Con él intentaremos desentrañar los misterios de una figura polémica y que desafía a una sola interpretación.

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Los problemas de la historia oficial

Empecemos por dejar claro cuál es la versión oficial. ¿Qué hemos creído siempre acerca de los cómics Marvel? Que sus personajes eran una creación, como mínimo, a cuatro manos: Stan Lee escribía historias de un par de páginas (que no guiones: la división en viñetas correspondía al dibujante, en lo que luego acabó conociéndose como Método Marvel, que permitía que Lee produjera una docena de historias cada mes), pero los diseños, el ritmo de la página, a menudo los diálogos eran obra de los dibujantes.

¿Hasta qué punto puede considerarse entonces que Stan Lee es el factótum último de Marvel? "A Stan Lee lo que hay que reconocerle es el mérito de haber sido capaz de canalizar una enorme cantidad de talento no solamente en esa primera generación de artistas como Kirby y Ditko (co-creadores de Los Cuatro Fantásticos y Spider-Man), sobre todo, sino también una segunda de gente como Roy Thomas, Mark Wolfman y Romita"

Es decir, Stan Lee es una especie de aglutinador de los creadores de Marvel, una cola que los une: "Para mí Stan Lee es el Trent Reznor del comic, un productor excelente, y con diferencia la persona más importante del proceso. Pero indiscutiblemente para producir un buen cómic necesitas unos buenos autores, y cuando perdió el empuje de los buenos autores cogidos por el cuello perdió muchísimo del empaque".

Por ejemplo, para poder entenderlo, nos remitimos a una de las parejas artísticas más famosas de Lee, Jack Kirby: "Una vez Kirby se va de Marvel, Stan Lee nunca vuelve a hacer un cómic bueno, esto es un hecho. También hay que decir que Kirby llevaba treinta años haciendo comics y nunca consiguió hacer nada parecido a lo que consiguió en Marvel. De hecho después se fue a DC, donde estuvo muchísimos años dibujando el cómic de Jimmy Olsen, lo cual es una vergüenza para todas las personas implicadas".

Pero entonces... ¿por qué Stan Lee se convierte en un icono? Pablo nos cuenta que "más allá de que la gente necesite un ídolo único creo que la gente necesita una narrativa para justificar que le gusten los cómics de superhéroes y no sentirse mal con ello". Es decir, Stan Lee forma parte de una especie de búsqueda de una figura que dignifique el medio, y que mucha gente necesita.

Los orígenes del mito

Trasladémonos al momento en el que Stan Lee comienza a trabajar en Marvel para entenderlo mejor. "Stan Lee encaja con una nueva forma política de los de los sesenta. O en el periodismo, la gente del Nuevo Periodismo como Tom Wolfe, de pronto se convierten en estrellas. De pronto el capitalismo necesita reafirmarse en figuras mucho más aspiracionales que los Rockefellers. Ya no puedes ser Rockefeller, es evidente que no vas a poder ser propietario de un banco. Así que la siguiente promesa es que a través de las artes o de las profesiones liberales te puedes convertir también en una estrella y en una figura célebre y notable".

Y Stan Lee, que otra cosa a lo mejor no, pero desde luego, era un tío muy listo, entendió esto: "Yo creo que él lo pilló muy bien, es la persona que mejor lo debió pillar en los sesenta fuera del rollo musical". Es decir, ve los cómics como un medio de convertirse en un triunfador: "Él tiene la idea de que se va a convertir en una persona importante en otro medio, lo intenta en la tele, lo intenta con la comedia, lo intenta con la literatura muy pobremente, con el teatro, con el cine, intenta entrar en cualquier medio más respetable que el cómic durante mucho tiempo".

Y llega un momento en el que solo le queda el cómic, lo que explica su relación de amor-odio con Marvel: "Finalmente lo consigue en el cómic, pero él solo aprecia ese mundo cuando ya ha triunfado". ¿Qué nos cuenta 'Verdadero creyente - Auge y caída de Stan Lee' sobre el tema? "El libro tiene algunas anécdotas durísimas sobre ese tema, cuando se reúne con gente de fuera del mundo del cómic y entonces sale de él ese rollo de 'no, no, el cómic es una mierda, si yo no trabajara en esta industria no leería cómics'"

Tal y como explica el libro, él mismo no entendió el potencial de su encarnación como icono del cómic de superhéroes hasta mucho más tarde. Nos cuenta Pablo que "él verdaderamente no se creyó demasiado esa esa faceta hasta muy entrado ya el éxito, e incluso después de eso yo creo que finalmente se hace mucho más popular como el creador de Marvel (que no lo era), que como guionista. Un poco ese rollo mesiánico empresarial a lo Steve Jobs, pero mucho antes de Jobs". ¿Y la base de todo esto cuál es? El eterno complejo de inferioridad de la cultura popular.

Sucede, de hecho, con toda la cultura pop: "El rock and roll comparte con el cómic cierto complejo de inferioridad, y por eso muchas veces vemos esa especie de ensalzamiento de los virtuosos. Esto lo comparte con el cómic, y mucha gente que sueña con los cómics como su modo de vida entran en esta narrativa de que los cómics son algo grandioso y no una cosa miserable y espantosa, con esta idea de que el cómic de superhéroes es una obra de autor vanguardista y progresista".

Pero en realidad no lo es, al menos no en los términos en los que a veces se defiende, pero esto encaja perfectamente en por qué Stan Lee acaba convirtiéndose en un icono: "Casi cualquier logro a nivel narrativo, a nivel expresivo, a nivel político que se le pueda atribuir al cómic de superhéroes ya se había hecho en otros muchos sitios antes: en Francia, en Japón, en Europa a partir de los sesenta, en el underground norteamericano... y creo que en este discurso autocomplaciente Stan Lee encaja, porque él es el paradigma de que el cómic es un medio legítimo".

Esa transformación en icono no llegará hasta unos años más tarde, con las películas de Marvel, que coincide con que la narrativa de superhéroes se masifica y se convierte en algo que puede consumir absolutamente todo el mundo. La coincidencia en el tiempo de estos dos fenómenos no es casual: "Cuanto más mainstream se vuelve el cómic, cuanto más llega la gente, más fuerte se insiste en poner a Stan Lee como la figura más representativa. Uno de los grandes éxitos en ese sentido ha sido que probablemente más de la mitad de la gente que ha ido a ver alguna vez una película del Capitán América cree que lo ha creado Stan Lee, porque Stan Lee ha creado todos los demás personajes importantes de Marvel"

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Pero un poco como reacción a la contra es como surge este libro, una documentadísima crónica de todo el camino que ha recorrido la figura de Stan Lee desde sus inicios en Marvel, sus intentos de saltos a otros medios y, finalmente, su transformación en icono. Su existencia, de hecho, ha causado tal conmoción en la cada vez más maltrecha imagen de Lee que ha llegado a generar una reacción a su vez, ya que a raíz de este libro hay otras muchas editoriales que se han animado a publicar otros libros mucho menos duros con su figura.

De entre todos los valores de 'Verdadero creyente - Auge y caída de Stan Lee', Pablo destaca su independiencia: "Si te compras un libro sobre Marvel o Stan Lee de una empresa que haya editado a Marvel durante años no te crees que vaya a ser muy objetivo, porque evidentemente ellos tienen un interés. Por eso creo que este es interesante que esté editado por una editorial que no tiene nada que ver con el cómic". Es decir, un baño de realidad crítica para un personaje de la industria que hasta hace muy poco era virtualmente intocable.

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Se ha estrenado en cines su sexta entrega, y el tremendo éxito de taquilla no solo garantiza más secuelas, sino que corrobora que la franquicia 'Scream' sigue ocupando un lugar muy especial en los gustos de los espectadores. Quizás sea la saga de slashers más carismática de las últimas décadas, y lo ha conseguido gracias a saber prolongar las virtudes que ya presentaba la primera 'Scream' en 1996, y que ahora tienes disponible en SkyShowtime.

En ella se nos presentaba por primera vez al icónico asesino Ghostface, con su característica máscara inspirada en 'El Grito' de Munch. Era una auténtica pesadilla para los habitantes de Woodsboro, un pequeño pueblo azotado por unos asesinatos que afectan especialmente a una joven cuya madre ya murió a manos de este criminal que parece haber vuelto a las andadas. ¿O no es el mismo?

El secreto de 'Scream no estaba en un argumento especialmente sorprendente o una violencia extrema, sino en un tono meta que revolucionó el cine de terror. El guionista Kevin Williamson, que se convirtió en fugaz estrella del género, y el director Wes Craven, que por aquellas alturas ya era todo un mito del horror más extremo de los setenta y ochenta, concibieron 'Scream' como una película consciente de serlo. De hecho, originariamente iba a ser una comedia llamada 'Scary Movie', que como sabemos, acabó existiendo como parodia de esta 'Scream'.

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Esta película es una pesadilla claustrofóbica al estilo de 'Saw' y 'Cube' y acaba de llegar a Prime Video

Con un reparto entonadísimo y donde destacan Neve Campbell, Drew Barrymore, Rose McGowan, Courtney Cox y David Arquette, el éxito inesperado de 'Scream' convirtió a su productora, Dimension Films, en una de las mini-majors más importantes de la época, y en toda una codificadora del cine de género durante unos cuantos años. Muy pocas de sus secuelas e imitadoras, eso sí, llegaron a rozar la grandeza de 'Scream' porque el grito solo suena así de fuerte una vez.

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